Sombreado
primera parte
Para Raúl un dibujante excelente:
"Fósil - Nautilus" (detalle)
Dibujo a lápiz
Pedro N. Sacristán
2013.
El sombreado es una cualidad importante del dibujo artístico; gracias al
empleo de este recurso es posible lograr efectos realistas, tales como volumen,
distancia y profundidad, creando la ilusión de imágenes tridimensionales a
través del claroscuro.
Además de enfatizar la relación del fondo y las figuras en una
composición, es posible realizar efectos
dramáticos de luz, transparencias y texturas, ya sea piedra, madera, metal,
cabello, piel, cristal, los pliegues de una tela, etc.
Para dominar las técnicas de sombreado es fundamental conocer algunos
aspectos básicos de la iluminación y el dibujo a lápiz:
I) Claroscuro - Es
la alternancia de luces y sombras en diferentes grados de intensidad y contraste;
un elemento expresivo en el dibujo y la pintura cuyo tratamiento se define de
acuerdo a la intención de la imagen.
Tradicionalmente se piensa en un claroscuro monocromático, en el cual se
trabaja un solo color en diferentes tonalidades que van desde el negro al
blanco en la mayoría de los casos; sin embargo, la significación del término claroscuro
es mucho más amplia y se refiere al efecto de luz y sombra producido bajo una
iluminación determinada, sin importar la cantidad de colores que se perciben.
Por ejemplo, en la vida cotidiana se aprecia el claroscuro con mayor
intensidad al amanecer, durante una puesta de sol, a la luz de las velas,
alrededor de una fogata, la luz de una lámpara de noche, etc.
Ejercicio No. 1: Observa la siguiente fotografía detenidamente y mira como las sombras alternan con las áreas iluminadas en la arquitectura del lugar, esto crea un claroscuro que permite distinguir las dimensiones, profundidades, etc., de las construcciones, gracias a estas características la fotografía nos presenta una imagen tridimensional.
Ejercicio No. 2: En la fotografía observa como gracias a la luz y sombra es posbile distinguir los diferentes volúmenes, profundidades, relieves y texturas de una escultura.
"Coatlicue"
Monolito de piedra
Sala de la Cultura Mexica
Museo Nacional de Antropología e Historia.
Ejercicio No. 3: Compara las imágenes de las pinturas y dibujos de la siguiente sección, observa las condiciones de luz, analiza la emoción que transmiten y sobre todo, procura poner atención en tu primera impresión sobre ellas.
En el área de comentarios puedes escribir tus impresiones y preguntas.
Un poco de historia
Entre el siglo 1 a.C. y 2 d.C., los
romanos utilizaron efectos sutiles de luz y sombra en sus pinturas murales y
lograron la maestría en el arte del retrato, alcanzando cierto grado de
realismo sin paralelo en su tiempo. En la Edad Media, el manejo del claroscuro era
un rasgo inexistente en las artes plásticas, debido a que la pintura de temple sobre tabla no buscaba
representar imágenes realistas, sino que se regía según la perspectiva jerárquica, se utilizaban los fondos dorados
característicos del arte sacro y las figuras rígidas, en actitud hierática, se desenvolvían en espacios
inverosímiles.
Pintura romana
"La Boda Aldobrandina" Roma, Vaticano
Fresco 20 a.C.
"La Boda Aldobrandina" (detalle) Roma, Vaticano
Fresco 20 a.C.
Pintura medieval
"Folio 19 del Codex Aureus de Lorsch" (detalle) Evangelios de Lorsch
Entre 778 y 820.
"Ábside de San Clemente de Tahull"
Maestro de Tahull
Fresco 1223.
Museo Nacional de Arte de Cataluña
"Santa Catalina de Alejandría, Santa Águeda y Santa Lucía" (detalle) Predela
Jaume Goncalbo
Temple y óleo sobre tabla
Primera mitad del siglo XV.
Cabe destacar que Giotto inicia el rompimiento con la
estética de tipo bizantino al
introducir la práctica de retratar a las personas del natural, los principios
de la perspectiva y la tridimensionalidad; en el Gótico Internacional la pintura adquiere una gracia y fluidez nunca
antes vistos, sobre todo en el arte de la miniatura,
por ello ganó sobrenombres tales como estilo
hermoso y estilo suave, también
el dibujo se transforma en un arte independiente de la pintura, a partir de que
Antonio
Pisano “Pisanello” vende uno de sus dibujos a un coleccionista privado
en calidad de obra terminada y con valor propio.
Se sabe que uno de sus dibujos fue el primero en ocupar un sitio privilegiado
en una colección privada, esto debido a los sellos del propietario Stefano da
Verona.
"Giotto"
(detalle de "Los cinco Padres de la Perspectiva")
Paolo Uccello
Siglo XIV.
"Dos bufalos de agua en el arado"
Antonio Pisano "Pisanello"
Siglo XV.
En sentido estricto, el claroscuro comienza a trabajarse alrededor del
siglo XIV y alcanza su perfección durante el Renacimiento; la invención de la pintura al óleo (que se atribuye
al pintor flamenco Jan Van Eyck) ofrece nuevas posibilidades a los artistas,
dotando a la pintura de una cualidad de penumbra y relieve que no se
había logrado hasta entonces (Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti,
Rafael Sanzio, etc.).
"Hombre con turbante rojo" (posible autorretrato)
Jan Van Eyck
1433.
"La Sibila Libia" (dibujo preparatorio)
Miguel Ángel Buonarroti
1511.
Museo Metropolitano de Arte, New York.
"La Gioconda"
Leonardo Da Vinci
1503 - 1519
Museo del Louvre, Paris.
Hay muchas formas de trabajar el claroscuro, en la ejecución de una obra Realista se respeta la coherencia de la iluminación, es decir, sin añadir o modificar las luces y sombras, buscando lograr un efecto fotográfico de lo que se representa; en tanto que en una obra Tenebrista (Rembrandt, Caravaggio, José de Ribera “El españoleto”, etc.) se incrementará el contraste de forma drástica para crear un efecto dramático, ya se trate de algo místico, sobrecogedor o introspectivo.
"Apolo y Marsias"
José de Ribera "El Españoleto"
Siglo XVII.
Se puede crear el efecto de claroscuro en todas las técnicas de dibujo, pintura y grabado; en la escultura, relieve, fotografía, cine, teatro, etc. dependerá principalmente de la iluminación.
"Cantar contigo a través de la LLUVIA"
Obra de Teatro
Cuarto Menguante Teatro
2012.
II) Iluminación: luz y sombra - La iluminación es tan importante que determina nuestra percepción del
mundo y juega un papel decisivo en el arte, ya que influye directamente en el
estado de ánimo del espectador.
Por ejemplo, en la pintura “La
balsa de Medusa” de Théodore Géricault de inmediato se percibe la
adversidad, desesperación e incertidumbre, gracias a la iluminación de la
escena.
"La Balsa de Medusa"
Théodore Ghéricault
Óleo sobre lienzo
1819.
Museo del Louvre, Paris.
En la pintura religiosa de Caravaggio, el artista utiliza una
iluminación perpendicular para crear una atmósfera introspectiva que pone de
manifiesto los misterios sagrados.
"La Anunciación"
Caravaggio
Pintura al óleo
1608.
Museo del Louvre, Paris.
Una misma obra o un lugar al ser visitado a diferentes horas y ser visto
bajo diferentes tipos de iluminación, produce un cambio radical en la impresión
del observador.
A menudo se relaciona la alegría con una mayor cantidad de luz y
espacios abiertos, como los paisajes Impresionistas,
la introspección con el atardecer, el otoño, etc., y la tristeza con la
obscuridad, aunque no es una regla.
"Bal du moulin de la Galette"
Pierre - Auguste Renoir
Óleo sobre lienzo
1876.
Museo de Orsay, Paris.
Antes de profundizar en las diferentes clases de iluminación y sus
efectos, es necesario reflexionar, aunque sea de forma breve, acerca de la luz
y la sombra; esto indudablemente habrá de llevarnos a plantear muchas
preguntas, entre ellas ¿Qué es la luz?
Próximamente: Luz, focos de luz, iluminación y sombra.
